七つの歯、ひとつの影

Native InstrumentsのSuperStarSawは、霧の中を貫くレーザーのように、控えめとは言いがたい名前を携えて登場した。Attack Magazineのレビューが説明するこの音源は、積み重ねたソー波を収めた二つのバンクと、四つのスナップショットを行き来するモーフィング・システムを中心に構成されている。誰もがまず思い浮かべるのはノスタルジーだろう――ホワイトレーベルのトランス・レコードをかけ、フィルターを開き、天井が蒸発するのを待つ。

しかし、その見方では回路の大部分が闇に残されてしまう。スーパーソーとは、オシレーターの設計を指す名前だ。パッチは、その先で何が起きるかによって形づくられる――デチューン、パンニング、エンベロープ、フィルタリング、モジュレーション、そしてアレンジ。SuperStarSawが文化的なフレアとして有用なのは、その違いをあらためて可視化するからだ。長いあいだジャンルの制服のように扱われてきたサウンドも、内部の動きが演奏可能なものとして露わになれば、再び素材になりうる。

記憶の中にある機械

Rolandは1996年にJP-8000を発表した。Attack Magazineのレビューが解説するように、そのスーパーソー・オシレーターは、チューニングを少しずつずらした七つのソー波を重ねていた。専用の処理によって、この音源は通常の方法ではボイスを消費せずにその重なりを生成できた。ほかのバーチャル・アナログ・シンセサイザーも、オシレーターをレイヤーしたりユニゾンを使ったりして効果を近づけることはできたが、重ねる数が増えるほど利用できるポリフォニーは減っていった。

その仕組みは、ナプキンに描けるほど単純だ。ノコギリ波は倍音の階段を運ぶ。ピッチの近い波をいくつか重ねると、それぞれの位相関係が変化し続け、ゆっくりとしたうなりと、明るく落ち着かないエッジが生まれる。それらをステレオ・フィールド全体にパンすれば、動きには物理的な広がりが加わる。耳には、きらめく輪郭に囲まれたひとつの音として聞こえる。

繰り返しによって、その工学的な特徴は時代を示す印になった。巨大なトランス・リードや輝くコード・スタックによって、スーパーソーはエレクトロニックな陶酔の特定の系譜と同義になった。しかし回路が独占契約に署名したわけではない。同じ材料から、コンパクトなハウス・スタブ、にじんだパッド、攻撃的なベース、ゆっくり動くドローンを生み出せる。

群れに操作パネルを与える

SuperStarSawは2つの音源をスウォームと呼んでいる。レビューによると、それぞれ最大16本のソー波形を含めることができ、波形数、チューニングの分離幅、ステレオの広がり、ノートごとの再トリガー、オシレーターのパンニングをコントロールできる。2つのスウォームを使えば、グローバルなユニゾンコントロールを考慮に入れる前から、最大32本のソー波形を扱える構成になっている。

モーションコントロールでは、波形の広がり、チューニング、ステレオ配置を動かせる。ほとんどのモジュールにはランダマイズ機能があり、2つのスウォームはコピーして、関連性のある出発点として調整できる。カスタマイズ可能な4つのスナップショットが、中央のモーフィングシステムに入力される。通常のエンベロープ、LFO、フィルター、ダイナミクス、エフェクトが、パッチの残りを担う。

この設計では、密度を演奏パラメーターとして扱える。コードを狭く整った状態で始め、フィルタースウィープだけに頼らず、徐々に輪郭をほつれさせることが可能だ。一方、Attackのレビュアーは、レビュー対象バージョンについて、薄く見えにくい画面切り替えボタン、見落としやすい重要なコントロール、サイズ変更できないインターフェースなどの使いづらさも指摘している。こうした点は、専用コントロールへ素早くアクセスできることが魅力の楽器において重要になる。レビューにはCPUベンチマークがないため、最も密度の高い設定でのパフォーマンスは、波形数から推測できるものではなく、ホストとセッション次第の問題として残る。

巨大なコードから抜け出す4つの方法

すべてのコントロールが最大サイズへ向かうと、スーパーソーは予測可能な音になる。SuperStarSawの開かれた構成からは、より整理された複数のアプローチが見えてくる。

  • 明るさより先に密度を選ぶ。 最大波形数より少ないところから始め、音符同士が分離して聞こえなくなるポイントを探す。小さめのスタックなら、ボーカルやドラム、トランジェントの細部により多くの余地を残せる。明るさは後からフィルタリングで加減できる。
  • デチューンとステレオの広がりを切り離す。 これらのコントロールは連動して上げられがちだが、解決する問題は異なる。デチューンはビート感とピッチのにじみを決め、広がりはその動きを音場全体に配置する。広げた後はモノラルに畳み込んで確認する。コードの中心が失われるなら、広がりを抑えるか、安定したレイヤーで補強する。
  • 動きをアレンジに役立てる。 スナップショットのモーフィングによって、セクションごとに異なる状態を作れる。序盤のコードは狭く保ち、ビルド中に穏やかなチューニングの動きを加え、アレンジに余白ができたところでステレオフィールドを広げる。動かし続けると、アニメーションはすぐに霧のような音へ変わってしまう。
  • 低域は意図的に扱う。 幅広くデチューンしたスタックは、チャンネルをまとめた際にミックスの底域を不確かなものにすることがある。別のベースが土台を担うなら、コードから不要な低域を取り除く。Reese風のパッチでは、中央のしっかりした成分を残し、より荒い動きはその上の周波数帯に配置する。

こうした選択は、オシレーターをスタックできるシンセならどれにも当てはまる。SuperStarSawは、関連するコントロールを十分に近くへ配置することで、それらの関係性をひときわ見えやすくしている。

同じ音が作れるという議論はどこにも行き着かない

幅広い用途に対応する現代的なシンセなら、多くの静的なsupersawパッチを再現できる。Attackのレビューでは、汎用音源であるSerumとのオンライン比較にも触れている。Serumは非常に広範なシンセシス作業に対応できる。凍結した一瞬の音が似ているからといって、ミュージシャンがその音へ到達する方法や、トラックの中でそれを変化させる方法について多くが分かるわけではない。

SuperStarSawの主張の根幹にあるのは、アクセスのしやすさだ。波形数、デチューンの挙動、ステレオ配置、モーフィングが、音源の中心近くに集約されている。汎用シンセでも、ユニゾン設定とモジュレーションマトリクスを使えば同等のスペクトルを作れるかもしれない。特化した設計により、アイデアと結果の間に必要なルーティングの量が減る。

したがって、その価値は作業習慣に左右される。スタックした波形をたまに使う程度のプロデューサーなら、すでに十分なツールを持っている可能性がある。関連するスウォーム状態間のトランジションを演奏したいミュージシャンにとっては、焦点を絞ったアーキテクチャのほうが素早く扱えるかもしれない。インターフェース上の摩擦がその利点を打ち消すこともあるため、音源を日常的なセットアップに組み込む前に、現行バージョンのリサイズ、パラメーターのリセット、オートメーションの挙動には注意を払う価値がある。有用な比較で測るべきなのは、初期化した2つのパッチを同じ形に無理やり合わせられるかではなく、曲の中でのセットアップ時間とコントロール性だ。

ジャンルのタグが外れていく

レビューでは、1990年代のディープハウスのコードヒット、Reese風ベース、フーバー系の領域にまで及ぶプリセットが紹介されている。これらはデチューンされた密度を共有しながら、エンベロープ、ピッチの挙動、フィルタリング、リズムによって異なる姿を見せる。そこから分かるのは、supersawのアイデンティティのうち、素のオシレータースタックに実際に宿っている部分がいかに少ないかということだ。

アレンジによって、どれほど新鮮に響くかが決まる。最大設定にすれば、数秒で当時の装いを取り戻せる。波形の数を抑え、デチューンを控えめにし、ゆっくり動くパラメーターを一つ加えるだけで、同じ仕組みを、隙間の多いポップスやアンビエント、ドライなクラブトラックの中に置くことができる。おなじみの、燃え上がるようなリードでさえ、すべてのコーラスを壁のように埋め尽くすのではなく、短く登場させることで表情が変わる。

SuperStarSawの回路には1996年の面影が刻まれているのかもしれない。だが同時に、古い設計を改めて分かりやすく見せてくれる。実用面での締めくくりは、実に地に足がついている――モノラルでミックスを確認し、ボーカルがぼやけるなら重ねる音を減らし、ドラムが消える小節のために巨大なフレアを取っておく。