調律システムは嘘である

西洋音楽は何世紀にもわたり、12音の嘘に頼ってきました。あの馴染み深いオクターブを12のきれいなスライスに分けたもの――CからBまで、繰り返し――は、最近のほぼすべてのポップソング、メタルのリフ、ジャズのソロの背後にある静かな構造でした。しかし、アーティストがその枠を超えて色を付け始めたらどうなるでしょうか？

マイクロトーナリティの世界へようこそ――ピアノの鍵盤の間に音程が存在し、メロディが伸縮自在で奇妙に、そして美しく壊れたものになる場所です。

マイクロトーナル音楽って一体何？

音楽理論の象牙の塔を取り払うと、シンプルです。マイクロトーナリティとは、伝統的な半音よりも小さい音程の使用を指します。西洋音楽では1オクターブに12の音があります。しかし、多くの文化――アラビアのマカーム、インドネシアのガムラン、インドのラーガ――では、そのようなルールは存在しませんでした。マイクロトーンは常に音のパレットの一部だったのです。

今、西洋のアーティストたちがその糸を手に取り始めています。新奇さとしてではなく、反逆として。

これは単なる理論好きの領域ではありません。マイクロトーナリティは違和感を感じさせます――それが狙いです。音符は「正しい」と「間違っている」の間で揺れ動きます。和音は陽炎のように揺らめきます。一歩一歩に緊張感が漂います。良いマイクロトーナルの曲は、音楽が新しい感情の方言で語りかける並行次元に足を踏み入れたような感覚を与えます。

King Gizzard and the Lizard Wizard：サイケデリック・チューニング・カルト

最も声高な旗手は？間違いなく、オーストラリアの多作なサイケロックバンド、King Gizzard & the Lizard Wizardです。彼らの2017年のアルバム『Flying Microtonal Banana』は、マイクロトーンへのラブレターであり、ファズとトルコのバグラマのチューニングで書かれています。

彼らはギターに追加のフレットを取り付けて――標準の音符の間にクォータートーンを加えました。「Rattlesnake」や「Sleep Drifter」のような曲は、そのずれた煌めきで滑るように響きます。これは音が外れているのではなく、別の論理に調和しているのです。

そして、それが何かを引き起こしました。ギアヘッズたちは指板を切り始めました。Redditのスレッドは調律チャートで盛り上がり、ODDSoundのMTS-ESPのようなマイクロトーナルプラグインには突然待機リストができました。

キャロライン・ポラチェックとポップのゴーストノート

プログレッシブロックのミュージシャンや狂気の科学者ギタリストだけではありません。アヴァンポップのスターたちもまた、マイクロトーナルの杯を傾けています。

Caroline Polachekの『Desire, I Want To Turn Into You』では、音程が蛇のように精密に曲げられています。彼女のトラック「Billions」では、微妙な四分音の間隔がボーカルハーモニーやシンセテクスチャに織り込まれています。それは「実験的」と叫ぶわけではなく――ただ不安を感じさせつつも崇高な感覚を与えます。

ここでのマイクロトーナルな影響は流動的で、教条的ではありません。構造よりも感覚に関するものです。感情の周波数の変化。耳は何かが変わったことを知っています――たとえそれを言葉で表せなくても。

Aphex Twin、Xenハーモニック・グル、そしてチューニング・アンダーグラウンド

そして機材の錬金術師たちがいる。Aphex Twinはずっと代替調律に取り組んできた――初期は調律表を使い、現在はScalaやH-Piのマイクロトーナルキーボードのようなソフトウェアを用いている。

YouTubeには、Sevish、Ben Levin、Yuri Landmanのように、斜めに配置されたフレットや奇妙な倍音システムを持つ楽器を作るディープダイブ系チャンネルがたくさんあります。彼らは不協和音を追い求めているわけではなく――新しい感情の地形を探求しているのです。

ワームホールに落ちてみたいですか？「xenharmonic」や「19-EDO」（オクターブを19等分したもの）で検索してみてください。まるで異星文明の音楽理論のようです。

なぜ今、マイクロトーナリティが重要なのか

では、なぜ関心が急増しているのでしょうか？その一因はデジタルの民主化にあります――DAWやVSTにより、アーティストはカスタムフレットやシタールを必要とせずにチューニングを探求できるようになりました。Surge XT、VCV Rack、Bitwigのようなプラグインは、代替チューニングをネイティブにサポートしています。Abletonもついにその流れに追いつきました。

しかし、それは文化的な疲労でもあります。音楽ファンは、完璧すぎて過剰にプロデュースされた画一的な音楽に飽き飽きしています。マイクロトーンはリスクを再導入します。彼らは不安定さをもたらします。たとえデジタルであっても、音楽を手作りのように感じさせるのです。

それらはまた、文化の中にあるより広い渇望――アルゴリズムや定型、終わりのない馴染みのループの外にある何か――を反映しています。無限のコンテンツの世界で、私たちは摩擦を求めているのです。

ここからの展開

マイクロトーナリティは主流になるでしょうか？おそらくありません。しかし、それが重要なのです。その力は破壊にあります。背筋をぞくぞくさせるところにあります。音の予測可能性の呪縛を解くところにあります。

アーティストたちは使い続けるでしょう――あなたに考えさせるためではなく、横方向に感じさせるために。あなたの快適ゾーンに少しの不協和音を滑り込ませるために。どんなピアノも届かない場所からささやくために。

それが狂気だとしたら？

よし。調律システムを壊そう。幽霊たちを招き入れよう。