12段階音階の先にある調律が、現代音楽をどう揺さぶっているのか

調律システムは嘘だ

西洋音楽は何世紀にもわたって、12音の嘘の上でのんびりと成り立ってきた。おなじみの1オクターブを12のきれいな断片に切り分けたもの――CからBまで、そしてまた繰り返し――それが、近年のほとんどすべてのポップソング、メタルのリフ、ジャズのソロの背後にある、目に見えない設計図だった。だが、アーティストたちがその線の外に色を塗り始めたら、何が起こるのか？

ようこそ、ミクロトーナリティの世界へ。そこでは音程がピアノの鍵盤の間に落ち、メロディはしなやかで、奇妙で、そして美しく壊れたものになる。

そもそもミクロトーナル音楽って何だ？

音楽理論の高尚な殿堂を取り払えば、話は単純だ。ミクロトーナリティとは、伝統的な半音よりも小さい音程を使うことを指す。西洋音楽では1オクターブに12音が与えられている。だが、アラブのマカーム、インドネシアのガムラン、インドのラーガのように、多くの文化ではそんなルール自体が存在しなかった。マイクロトーンは、ずっと音のパレットの一部だったのだ。

いまでは、より多くの西洋のアーティストがその流れを受け継いでいる。珍奇さのためではない。反逆として。

これは理論オタクだけの領域でもない。ミクロトーナリティは、わざと「外れて」聴こえる――そこが肝心だ。音は「正しい」と「間違っている」のあいだで揺らめく。和音は陽炎のようにたわむ。ひとつひとつの音に緊張がある。優れたミクロトーナル曲は、音楽が新しい感情の方言で語りかけてくる並行世界へ足を踏み入れるような感覚を与える。

King Gizzard and the Lizard Wizard: サイケデリックな調律カルト

いちばん声高な旗振り役は？ もちろん、オーストラリアの多作なサイケ・ロック・バンド、King Gizzard & the Lizard Wizard だ。2017年のアルバム Flying Microtonal Banana は、ミクロトーンへのラブレターだった――ファズとトルコの bağlama の調律で綴られた。

彼らはギターに追加のフレットを施し、標準音のあいだに四分音を加えた。「Rattlesnake」や「Sleep Drifter」のような曲は、その不安定なきらめきでうねる。音程が外れているのではない――別の論理において正しく調律されているのだ。

そして、それが何かを引き起こした。ギア好きたちは指板をのこぎりで切り始めた。Reddit のスレッドは調律表で大騒ぎになった。ODDSound の MTS-ESP のようなミクロトーナル・プラグインには、突然順番待ちができた。

Caroline Polachek とポップのゴーストノート

ミクロトーナリティに手を伸ばしているのは、プログレ・ロッカーや狂気じみたギター職人だけではない。アヴァン・ポップのスターたちも、その杯をあおっている。

Caroline Polachek は、Desire, I Want To Turn Into You で、蛇のような精度でピッチを曲げる。「Billions」では、微妙な四分音の音程がボーカル・ハーモニーとシンセの質感の中に織り込まれている。そこには「実験的だ」と叫ぶような派手さはない――ただ、不穏で崇高な感触があるだけだ。

ここでのミクロトーナルな影響は、教条的ではなく流動的だ。構造よりも感覚の問題なのだ。感情の周波数が少しずれる。耳は何かが変わったと知っている――たとえ、それを言葉にできなくても。

Aphex Twin、Xen の調和の達人たち、そして調律アンダーグラウンド

そこにいるのが、機材の錬金術師たちだ。Aphex Twin は長く別の調律に惹かれてきた――初期にはチューニング・テーブルを通じて、そして今では Scala や H-Pi のミクロトーナル鍵盤のようなソフトウェアを使って。

YouTube には、Sevish、Ben Levin、Yuri Landman のような深掘りチャンネルがあふれている。彼らは斜めのフレットや奇妙な倍音システムを備えた楽器を作っている。彼らが追い求めているのは、ただ不協和音そのものではない――新しい感情の地形を探っているのだ。

ワームホールに落ち込みたい？ 「xenharmonic」や「19-EDO」（1オクターブを19等分すること）で検索してみてほしい。まるで異星文明の音楽理論みたいだ。

なぜ今、ミクロトーナリティなのか

では、なぜここまで関心が高まっているのか？ ひとつには、デジタルによる民主化がある。DAW と VST によって、アーティストは特注のフレット加工やシタールなしでも調律を探れるようになった。Surge XT、VCV Rack、Bitwig のようなプラグインは、別の調律をネイティブでサポートしている。Ableton もようやく追いついた。

だが、それだけではない。文化的な疲労もある。音楽ファンは、完璧すぎる、過剰に磨き上げられたグリッドロックにうんざりしているのだ。ミクロトーンはリスクを呼び戻す。聴き手を落ち着かなくさせる。たとえデジタルであっても、音楽を手仕事のように感じさせる。

それはまた、文化全体に広がる別の渇望にも響いている――アルゴリズムの外側、数式の外側、終わりのない既視感のループの外側にある何かを求める渇望だ。無限のコンテンツに囲まれた世界で、私たちは摩擦を欲している。

これからどうなるのか

ミクロトーナリティは主流になるのだろうか？ おそらく、ならない。だが、それこそがポイントだ。その力は転覆にある。背筋をぴくりとさせるところにある。音の予測可能性という魔法を打ち破るところにある。

アーティストたちはこれからも使い続けるだろう――考えさせるためではなく、少し斜めに感じさせるために。心地よい領域に、ほんの少し不協和音を滑り込ませるために。どんなピアノにも届かない場所から、ささやくために。

そして、それが狂気だというなら？

いいだろう。調律システムをひび割れさせよう。幽霊たちを招き入れよう。

ジュード・ハーパー は、音楽ジャーナリズムに専念する前に、ナッシュビルのスタジオでガラス越しの向こう側に立つ仕事を10年続けていた。彼は、ある人がワインについて語るようにマイクについて書く――気取ったところは抜きで。音を生み、物語を語るなら、たぶん彼はもう録音している。