12단계 음계를 넘어선 조율이 현대 음악을 뒤흔드는 방식

조율 체계는 거짓말이다

서양 음악은 수세기 동안 12음의 거짓말 위에서 굴러왔다. 익숙한 옥타브를 열두 개의 깔끔한 조각으로 나눈 것 — C에서 B까지, 그리고 반복 — 이 구조는 우리가 기억하는 거의 모든 팝송, 메탈 리프, 재즈 솔로의 보이지 않는 설계도였다. 하지만 아티스트들이 그 선 밖으로 색칠하기 시작하면 무슨 일이 벌어질까?

피아노 건반 사이의 음정까지 들어가는 세계, 멜로디가 탄력 있고, 낯설고, 아름답게 비틀리는 세계인 마이크로토널리티의 세계에 오신 것을 환영한다.

도대체 마이크로토널 음악이 뭐야?

음악 이론의 상아탑을 걷어내면 답은 단순하다. 마이크로토널리티는 전통적인 반음보다 작은 음정들을 사용하는 것을 뜻한다. 서양 음악은 옥타브당 12개의 음을 준다. 하지만 아랍의 마캄, 인도네시아의 가믈란, 인도의 라가 같은 많은 문화권에서는 그런 규칙 자체가 존재하지 않았다. 마이크로톤은 언제나 소리의 팔레트 일부였다.

이제 더 많은 서구 아티스트들이 그 흐름을 받아들이고 있다. 신기한 장난으로가 아니라, 저항으로서.

이건 단순히 이론 덕후들만의 영역도 아니다. 마이크로토널리티는 어긋나게 들린다 — 그리고 그게 핵심이다. 음들은 “맞다”와 “틀리다” 사이에서 반짝인다. 화음은 열기 아지랑이처럼 흔들린다. 모든 걸음마다 긴장이 있다. 좋은 마이크로토널 트랙은 음악이 감정의 새로운 방언으로 말하는 평행 차원에 들어서는 느낌을 준다.

King Gizzard and the Lizard Wizard: 사이키델릭 조율 컬트

가장 큰 기수는 누구일까? 의심의 여지 없이, 호주 출신의 다작 사이키델릭 록 밴드 King Gizzard & the Lizard Wizard다. 2017년 앨범 Flying Microtonal Banana는 마이크로톤에 바치는 러브레터였고, 퍼즈와 터키식 bağlama 조율로 써 내려간 편지였다.

그들은 기타에 추가 프렛을 달아 표준 음 사이에 4분음들을 넣었다. “Rattlesnake”와 “Sleep Drifter” 같은 곡들은 그 삐딱한 반짝임으로 미끄러지듯 흐른다. 음이 틀린 게 아니다 — 다른 논리에 맞게 조율된 것이다.

그리고 이건 무언가를 촉발했다. 기어 덕후들은 지판을 잘라냈고, Reddit 스레드에는 조율표가 폭발적으로 올라왔다. ODDSound의 MTS-ESP 같은 마이크로토널 플러그인에는 갑자기 대기 명단이 생겼다.

Caroline Polachek와 팝의 유령 음들

이건 프로그 록커나 미친 과학자 같은 기타리스트들만의 이야기가 아니다. 아방팝 스타들조차 마이크로토널 잔에 입을 대고 있다.

Caroline Polachek는 Desire, I Want To Turn Into You에서 뱀처럼 정교하게 피치를 굽힌다. 그녀의 트랙 “Billions”는 보컬 하모니와 신스 질감 속에 미묘한 4분음 간격을 엮어 넣는다. “실험적”이라고 소리치지는 않는다 — 그저 불안하고 숭고하게 느껴질 뿐이다.

여기서의 마이크로토널 영향은 교조적이기보다 유동적이다. 구조보다 감각에 관한 이야기다. 감정의 주파수가 바뀌는 일. 귀는 무언가가 달라졌다는 걸 안다 — 비록 그 이름을 붙일 수 없더라도.

Aphex Twin, Xen 하모닉 구루들, 그리고 조율 언더그라운드

그리고 기어 연금술사들이 있다. Aphex Twin은 오래전부터 대체 조율과 장난을 쳐 왔다 — 초기에는 tuning tables를 통해, 지금은 Scala와 H-Pi microtonal keyboards 같은 소프트웨어를 사용하면서.

YouTube에는 Sevish, Ben Levin, Yuri Landman 같은 깊이 파고드는 채널들이 가득하다. 이들은 비스듬한 프렛과 기묘한 화성 체계를 가진 악기를 만든다. 이들이 쫓는 것은 불협화음 그 자체가 아니라, 새로운 감정의 지형을 탐험하는 일이다.

소용돌이 속으로 빠져들고 싶다면? “xenharmonic”이나 “19-EDO”를 검색해 보라(옥타브를 19개의 동일한 부분으로 나눈 것이다). 마치 외계 문명의 음악 이론 같다.

왜 지금 마이크로토니시티가 중요한가

그렇다면 왜 관심이 급증했을까? 일부는 디지털 민주화 덕분이다 — DAW와 VST 덕분에 아티스트들은 맞춤 프렛 작업이나 sitar 없이도 조율을 탐색할 수 있다. Surge XT, VCV Rack, Bitwig 같은 플러그인은 대체 조율을 기본적으로 지원한다. Ableton도 마침내 따라잡았다.

하지만 문화적 피로도 한몫한다. 음악 팬들은 지나치게 매끈하고 과잉 제작된 그리드락에 지쳤다. 마이크로톤은 위험을 다시 들여온다. 불편하게 만든다. 디지털 음악조차 손으로 만든 것처럼 느끼게 한다.

또한 이는 문화 전반의 더 큰 갈망을 반영한다 — 알고리즘 밖의 무언가, 공식 밖의 무언가, 끝없는 익숙함의 반복 밖의 무언가를 향한 갈망이다. 무한한 콘텐츠의 세계에서 우리는 마찰을 원한다.

앞으로는 어디로 갈까

마이크로토니시티가 주류가 될까? 그럴 가능성은 높지 않다. 하지만 그게 핵심이다. 그 힘은 전복에 있다. 척추를 움찔하게 만드는 방식에 있다. 소리의 예측 가능성에 걸린 주문을 깨뜨리는 방식에 있다.

아티스트들은 계속 그것을 사용할 것이다 — 당신에게 생각하게 하려는 게 아니라, 비스듬하게 느끼게 하려는 것이다. 당신의 편안한 영역에 약간의 불협화음을 슬쩍 들여놓기 위해. 어떤 피아노도 닿지 못하는 곳에서 속삭이기 위해.

그리고 그게 광기라면?

좋다. 조율 체계가 갈라지게 두자. 유령들을 들여보내자.

주드 하퍼는 내슈빌 스튜디오에서 유리 너머 뒤편에서 10년을 일한 뒤, 전업 음악 저널리즘으로 방향을 틀었다. 그는 어떤 사람들은 와인에 대해 쓰듯 마이크에 대해 쓴다 — 허세는 빼고. 소리를 내고 이야기를 전한다면, 그는 아마 이미 그것을 녹음하고 있을 것이다.