Quand la caisse claire perd de son ampleur

Une caisse claire peut sembler agréablement ample à elle seule, puis perdre de son corps quand vous faites entrer les micros d’ambiance. Les vumètres restent bien en dessous de l’écrêtage. Personne n’a touché à l’égaliseur. Ce qui a changé, c’est la relation entre les microphones qui captent le même coup depuis des positions différentes.

Le guide de MusicRadar publié le 13 octobre et consacré aux astuces de prise de son aborde l’enregistrement de batteries, de pianos et d’autres instruments dans une station audionumérique. Il invite utilement à adopter une habitude plus ciblée en studio : écouter les microphones ensemble, suffisamment tôt pour pouvoir les déplacer.

Un deuxième canal peut apporter le son de la pièce, de la largeur stéréo ou une meilleure perspective sur un instrument. Il crée aussi une nouvelle combinaison à évaluer. Avant d’ouvrir un égaliseur pour compenser le corps perdu, faites un court enregistrement et écoutez ce qui se passe lorsque vous montez ce fader supplémentaire.

La tentation d’ajouter un canal

Une piste supplémentaire peut sembler rassurante lorsqu’un musicien s’apprête à ranger son matériel. Pourtant, chaque nouveau microphone doit avoir une fonction que vous pouvez entendre. Une partie de batterie construite autour d’un rythme approximatif peut nécessiter moins de séparation qu’une grosse caisse et une caisse claire destinées à être traitées séparément.

Décidez de ce que vous souhaitez apporter avec le canal supplémentaire, par exemple l’attaque de la grosse caisse ou l’ambiance de la pièce. Vous aurez ainsi un repère lorsque vous monterez son fader. Une piste conservée pour des possibilités indéterminées risque facilement de devenir un choix de plus à trancher au mixage.

Le bouton Solo incite à s’attacher à un son isolé. Un canal qui se révèle convaincant à lui seul peut devenir étonnamment difficile à couper, même si l’instrument perd en netteté dans le mix.

Enregistrez la même courte phrase à la position d’origine, puis après un déplacement délibéré. Gardez l’interprétation aussi constante que possible et comparez à un volume de lecture similaire, car un son plus fort peut sembler plus convaincant.

Si vous disposez d’une ébauche d’arrangement, utilisez-la. Un micro aux détails magnifiques peut passer toute la chanson à fournir des informations déjà couvertes par la voix et les guitares.

Le rôle du décalage temporel dans le timbre

Lorsque deux micros captent la même source, le son peut les atteindre à des moments différents. La sommation de ces signaux peut renforcer certaines fréquences et en atténuer d’autres. Cette succession de crêtes et de creux s’appelle le filtrage en peigne. Vous pouvez entendre une caisse claire au son papier ou un piano dont les médiums s’effacent à mesure que ceux d’un autre canal ressortent.

Un commutateur de polarité inverse les alternances positives et négatives du signal. Il peut améliorer un mixage donné, mais ne supprime pas le décalage temporel. Comparez les deux réglages en écoutant le son combiné, en prêtant attention au corps et à l’attaque que vous souhaitez préserver.

La sommation d’une paire stéréo en mono permet d’entendre plus facilement les annulations entre ses canaux. Une certaine modification du timbre est normale. Une perte importante d’un élément essentiel mérite d’être examinée.

Repassez ensuite en stéréo. Aligner automatiquement toutes les formes d’onde peut modifier la profondeur ou la largeur que vous vouliez enregistrer. Un micro d’ambiance peut tout à fait produire un son lointain. Écoutez un accord tenu ou une phrase complète de batterie avant de décider s’il faut le déplacer, modifier son niveau ou ajuster son timing.

Construire l’image de la batterie

Pour la batterie, commencez par obtenir une image d’ensemble utile du kit, avec un seul microphone ou une paire de micros d’ambiance. Demandez au batteur de jouer le groove réel avec l’intensité prévue. Une balance sage suivie d’un jeu puissant sur les cymbales modifie l’équilibre avant même que vous ne touchiez aux faders.

Écoutez comment la caisse claire se détache des cymbales. Modifier la hauteur ou l’angle du microphone peut aider si les cymbales dominent, mais le jeu du batteur reste lui aussi déterminant pour la prise. Une paire de micros d’ambiance ne permet que dans une certaine mesure de rééquilibrer une cymbale qui domine acoustiquement.

Montez le niveau d’un micro de proximité tout en gardant ouverte la prise d’ensemble de la batterie. Si un micro de grosse caisse apporte une assise utile, explorez cette position. S’il amincit les graves, vérifiez la polarité et le placement avant d’ajouter des basses.

Attendez-vous à des compromis. Le son de chaque fût emprunte des chemins différents jusqu’aux microphones ; aligner parfaitement toutes les frappes de tous les fûts en même temps est donc un objectif irréaliste. Écoutez le micro de proximité pendant un roulement, ainsi que sur le groove répétitif, en laissant les micros d’ambiance ouverts.

Gardez le piano cohérent

Le piano diffuse son son dans un vaste espace physique. Une paire de microphones espacés peut donner une agréable impression d’ampleur, mais aussi exagérer les déplacements entre les registres. Écoutez une phrase qui parcourt le clavier, avec des notes jouées simultanément des deux mains.

Une configuration coïncidente comme le couple X/Y, avec deux capsules directionnelles rapprochées et orientées en sens opposés, limite les écarts de temps d’arrivée entre les canaux. C’est une solution intéressante à explorer lorsqu’une paire espacée perd trop de corps en mono. La largeur et l’équilibre gauche-droite peuvent également changer : comparez donc le résultat musical.

Écoutez la résonance aussi attentivement que l’attaque. Le bruit des pédales et de la mécanique peut contribuer à une impression de proximité. Écoutez ces détails au niveau auquel le piano se trouvera dans le morceau avant de décider quelle place leur accorder.

Un seul microphone peut capter tout ce qu’un morceau chargé demande au piano. Une partie plus exposée peut profiter d’une image stéréo qui donne à l’auditeur une impression de l’ampleur de l’instrument. Faites intervenir les autres instruments qui partagent son registre avant de choisir un point de vue.

Validez le mélange qui fonctionne

Avant la prise complète, enregistrez un court passage et réécoutez-le dans une pièce silencieuse. Évaluer le son en direct au casque peut être trompeur lorsque le son de l’instrument acoustique vous parvient aussi directement. La réécoute vous permet d’entendre l’équilibre capté sans cette source concurrente.

Comparez le mélange complet au son obtenu lorsque le microphone supplémentaire est coupé. Égalisez les niveaux sonores perçus autant que possible. Vérifiez si le canal apporte bien la contribution recherchée, en particulier dans le passage le plus chargé. Un son flatteur en solo peut être difficile à intégrer lorsque tout le reste revient.

Vous pouvez tout à fait opter pour des batteries volontairement creuses, une stéréo exagérée et des bruits mécaniques de piano bien présents. Ces choix fonctionnent mieux lorsque vous entendez ce que vous conservez. Gardez-vous suffisamment de temps pour jouer après la comparaison.

Une fois l’équilibre satisfaisant, cessez de déplacer le pied. Envoyez le mélange choisi dans le casque et enregistrez la prise complète. Réécoutez-la avec les microphones ensemble avant d’ouvrir une autre fenêtre de plugin.